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martes, 26 de diciembre de 2017

The trip to Spain

Steve Coogan, Rob Brydon y el director Michael Winterbottom, están de regreso con un nuevo viaje. Esta vez los amigos van a España. 

Si no han visto las anteriores, no se apuren, no pasa nada. Solo se trata de un viaje de trabajo en la que estos dos tipos recorren lugares increíbles y comen comida aún más increíble. En el camino hablan sin parar, cantan, compiten, imitan actores famosos (Sean Connery, Michael Caine, Roger Moore, Ian MacKellen, etc.), mientras cumplen con ciertos requisitos del trabajo. Aquí, como están en España, el departamento de publicidad les pide que viajen a La Mancha para sacarse unas fotos como Don Quijote y Sancho Panza. 
Su recorrido empieza en Santander y van bajando al sur, rodeando Madrid y evitando todos los lugares esperados. En cada lugarcillo van a parar a mágicos restaurantes que sirven unas delicias, a las que este par de bestias no dan el suficiente crédito por andar imitando famosos. ¡Aj qué envidia!

Una idea como esta puede fácilmente caer en la mamonería, pero tanto el director como Coogan han logrado un equilibrio entre las elucubraciones sobre la vida y tomarse a sí mismos muy en serio.

En esta nueva entrega hay un poco más de historia, y Rob Brydon tiene un papel un poco más presente. Como siempre Coogan alardea de su maravillosa carrera y excitante vida, mientras la de Rob es la de un tipo con mujer y niños chiquitos y ruidosos. Coogan se ha quedado sin agente, la novia está embarazada de otro y el hijo de veinte va a ser papá. Rob regresa a casa después de visitar Málaga y Steve se queda unos días más por ahí. Nada le funciona y se lanza en lo que será un extraño final, pues después de cruzar a África, sin decirle a nadie, se pierde, se le descompone el coche y su suerte queda en manos de unos sospechosos árabes armados hasta los dientes.

Este cambio  en la narración es divertido. No sé si es que el siguiente proyecto será The Trip to Morocco, yendo Rob al rescate, tal vez. Y ahí estaré yo para viajar con ellos y que se me haga agua la boca con el cous cous o lo que les pongan en frente.

martes, 31 de octubre de 2017

Spielberg

HBO ha sacado este documental sobre Steven Spielberg. Escuché una entrevista con la directora Susan Lacy, en donde contaba que tenía más de 30 horas de entrevistas y que ninguno de los candidatos puso reparos en hacerlas: Scorsese, George Lucas, Coppola, Leonardo Di Caprio, Tom Hanks, y muchos muchos más que incluyen críticos de cine como A.O. Scott, productores, colegas y miembros de su familia y de su equipo de trabajo.

La única cosa que les pidió a todos es que no dijeran simplemente que era un genio, les pidió que no nombraran la palabra, que le contaran por qué es un genio, con ejemplos.

Y así es como este documental se convierte en un desfile de porras y aplausos, algunos contando anécdotas de su genialidad y otros gesticulando admiración.

Spielberg no está en mi top de directores favoritos. No es de esos cuyas pelis espero con meses de anticipación. Sin embargo, sí que muchas de sus películas están en mis favoritos, son parte de mi infancia y son una de las razones por las que disfruto tanto ir al cine. Spielberg es la magia del cine. El maestro del entretenimiento, el mejor cine de estudio, una parte importantísima del sistema hollywoodense.

Un cine para todo público que no se mete en líos, es muy correcto, habla sobre la amistad, la familia y a partir de La Lista de Schindler se ha atrevido a tocar temas un poco más serios como la esclavitud, la Guerra y demás.
Creo que una de las cosas que a mí se me atoran de su cine es la sensiblería y la manipulación emocional, pero qué le vamos a hacer, así le gusta a él.

El documental en sí, me pareció desaprovechado. La directora tuvo a Spielberg a su merced y hay más anécdotas y cuestiones familiares que no indican más que de una manera superficial su talento cinematográfico. No es un director de actores, no es un director de diálogos o de ideas, un autor interesado en sus propios asuntos, es un estupendo cuenta cuentos, floreció en unos tiempos en los que innovó y sorprendió con soluciones visuales inolvidables. Es un director que sabe aprovechar las tecnologías en favor de la historia. Me hubiera gustado escucharlo más hablar de eso, como cuando al principio cuenta sobre los problemas prácticos de tener un tiburón robótico, o el sentimiento de descubrimiento ante la pantalla de la computadora al ver el esqueleto de un velociraptor y lo que eso implicaría en el cine a partir de ese momento.

Pero aquí está retratado nada más como el niño bueno de diez, que hizo todo bien. No hubiera estado mal un poco de menos porra, un poco de menos genialidad. 

De sus viejitas no puedo escoger, de sus últimas me quedo con Tin Tin y el BFG.

jueves, 30 de marzo de 2017

La Reina de España

Casi 20 años después Fernando Trueba regresa con un nuevo capítulo en la vida de Macarena Granada y su grupo de amigos y compañeros que en La Niña de Tus Ojos (1998) fueron invitados a la Alemania nazi a filmar una película. Macarena ha pasado este tiempo triunfando en Hollywood y ahora regresa a España a filmar una película de producción americana sobre la reina Isabel La Católica. Son los años cincuenta, el franquismo, la censura, la falta de libertades controlan muchos aspectos de la producción y de la vida de los personajes. Blas Fontiveros/Antonio Resines, también regresa después de haber pasado un tiempo en un campo de concentración y otro en Francia. Busca a sus amigos, a su familia, trabajo, pero el nuevo marido de su ex es un alto funcionario del gobierno y lo encarcelan, o más bien se lo llevan a trabajar en la construcción del Valle de los Caídos. Estas dos historias se entrelazan porque, mientras la filmación de la película continua, Macarena y sus amigos planean la manera de liberar a Blas.

No se si sea una falta de profesionalismo de mi parte porque no me acuerdo con detalle de la película anterior (sólo que me gustó) y no la "revi" antes de ver esta. Así que no puedo repelar, decepcionarme y decir que la primera fue mejor y que esta tiene los mismos gags, pero sin ganas, o cosas así que he leído en las críticas. Claro que a la brevedad, volveré a ver la de la chica, pero mientras diré que esta me pareció divertida y entretenida. Fuera de una extraña y desconcertante violación, que me pareció un poco gratuita, me gustó. El reparto es un repartazo, además de Penélope Cruz y Resines, actúan Javier Cámara, Rosa María Sardá, Jorge Sanz, Santiago Segura (bueno ese no se si es un actorazo, pero ¡es Torrente!), Mandy Patinkin, Cary Elwes, y muchos más.

Al parecer fue un fracaso en taquilla, cuentan las malas lenguas, que se debió a un boicot en las redes porque un año antes Trueba recibió el Premio Nacional de Cinematografía y tuvo el mal tino de decir en su discurso de aceptación que nunca se había sentido español. Vaya usted a saber si eso fue suficiente para el fracaso o no, yo he leído críticas muy negativas sobre la peli y no el chisme en donde se acaban la película hasta porque Macarena regrese triunfal de Hollywood, porque entonces Trueba piensa que triunfar es ser exitoso en Hollywood nada más, y yo pienso que eso es buscarle fallos hasta debajo de las piedras, porque sí que es una realidad que ser estrella es cuando eres famoso en Hollywood, ahora o en los cincuenta, y no tiene que ver con ser buen actor, sino con ser estrella. Y bueno, comentarios como este, montones. 

Creo que es un exceso, creo que hay que verla como un ejercicio de imaginación en clave de humor, sobre cómo serían las filmaciones en esas época, inspirándose en casos reales y seguramente en alguna que otra biografía. Y también resaltar la fortuna del reparto, conocemos sus mejores y peores trabajos, son muy buenos, carismáticos y se sienten a gusto aquí y los reflejan. 

domingo, 26 de febrero de 2017

And the Oscar goes to...Part 2

Me pregunto por qué no aparecieron en las nominaciones ni Nocturnal Animals ni American Honey. Las dos son interesantes, más originales que la de Hidden Figures o la de Hacksaw Ridge. Sí, ya se, son también más difíciles. Y aunque no he visto Jackie, ni Loving, Amy Adams merecía esta nominación, por lo menos por encima de Emma Stone. Realmente no importa porque la que debe ganar con mayúsculas y luces de neón es Isabelle Huppert por Elle. Está impresionante. Raro que la hayan incluido, y más con una película tan fuerte y tan no gringa como esta. Lo mismo digo del mejor guión original con la nominación de The Lobster. ¡Esa debería ganar! porque es una película extraña y extraordinaria, pero no le veo ni una pizca de posibilidades.

Y ya que llegamos al extranjero, ojalá que gane la de The Salesman (Asghar Farhadi), no porque sea mi favorita, no puedo decir porque sólo he visto dos y la de Toni Erdman me gustó mucho, sino por un poco de justicia cósmica, porque el director Asghar Farhadi se ha puesto en huelga contra la política de no dejar pasar musulmanes (aunque esté detenida ya esa ban, es una cuestión de principios). Pero claro, no se vale que gane por eso nomás, me estaría contradiciendo. Es una buena película. A mí me gustan los dramas de este director. Además, vemos siempre un Irán diferente al de las noticias, uno más moderno, con gente normal, en situaciones más cotidianas, más sociales, sin atentados y musulmanes extremistas.

Y la otra que he visto, Toni Erdmann (Maren Ade), alemana, está también muy bien, un poco larga, pero ese Toni es un personaje tan peculiar, que provoca situaciones de pena ajena unas, y divertidas otras. Además, como plus inútil, el póster está súper raro y hay que ver la peli para entenderlo.

Es una falta de profesionalismo de mi parte, lo sé, el que no nombre ni un documental ¡no los he visto! En mi débil defensa, son más difíciles de conseguir. Lo mismo ocurre con los cortos. Esos me cuestan aún más trabajo. Los del año anterior los conseguí por junio.

Las que sí claro que vi fueron las caricaturas, me faltó la de la calabaza. Mi favorita, otra sin posibilidades, es la de La Tortuga Roja (Michael Dudok de Wit). Producida por el estudio Ghibli, pero dirigida por un belga, es una película muy bonita. No precisamente para niños, y menos estos niños modernos con prisa, porque la película es pausada, sin diálogos, en donde no ocurre nada más que la vida. Los dibujitos están muy bien, como de cómic belga, ah. Muy recomendable. he escuchado que la favorita es la de Zootopia. Yo le voy a Moana, las dos son muy correctitas, muy infantiles, muy d ela industria, esas típicas de seguir el sueño y bla, bla bla, pero le voy a Moana porque en Zootopia no salen ni gatos ni perros, osea!

Y pues así le dejamos, creo que no hay nada sorpendente ni extraordinario en las nominaciones técnicas, a algunos les gustaría que ganara Rodrigo Prieto por la cinematografía de Silence de Scorsese, sólo porque es mexican. De canción seguro gana una de la La Land, pero ojalá que no porque no me parecieron especiales. La de efectos especiales me parece interesante grupo, y más porque está incluída la de Kubo, que es animación.

Ahora descansemos y preparémonos para tres eternas horas (mínimo) por lo general, aburridas, de premiaciones, con la esperanza de que haya algunos discursos políticamente incorrectos, y alguna que otra sopre interesante. Una opción sugerida es ver, por ejemplo, Santa Clarita's Diet, y seguir las nominaciones en en imdb, o en cualquier periódico online.

viernes, 30 de septiembre de 2016

El cine según Akira Kurosawa





Leyendo Something Like an Autobiogtaphy, de Akira Kurosawa, me topé con esta random note al final de libro que me ha gustado mucho.


What is cinema?
The answer to this question is no easy matter. long ago the Japanese novelist Shiga Naoya presented an essay written by his grandchild as one of the most remarkable prose pieces of his time. He had it published in a literary magazine. It was entitled "My Dog", and ran as follows: "My dog resembles a bear; he also resembles a badger; he also resembles a fox..." It proceeded to enumerate the dog's special characteristics, comparing each one to yet another animal, developing a full list of the animal kingdom. However, the essay closed with, "But since he's a dog, he most resembles a dog."

I remember bursting out laughing when I read this essay, but it makes a serious point. Cinema resembles so many other arts. If cinema has very literary characteristics, it also has theatrical qualities, a philosophical side, attributes of painting and sculpture and musical elements. But cinema is, in the final analysis, cinema.

Akira Kurosawa. 

domingo, 3 de enero de 2016

The Wolfpack

Un día, caminando por Manhattan, la directora novel Crystal Moselle, se topó con los hermanos Angulo. Seis chicos bastante peculiares, con el pelo larguísimo y gafas oscuras. Cuando conoció su historia quedó fascinada y decidió hacer una película al respecto, que por cierto, ganó en Sundance al mejor documental.

Los hermanos Angulo, Mukunda, Narayana, Govinda, Bhagavan, Krisna, and Jagadesh, y su hermana Visnu, fueron criados en un departamento en el Lower East Side de Manhattan. Fueron educados en casa por su mamá y controlados por el papá. Casi nunca salieron de ahí. Uno de ellos recuerda que un año no salieron nunca, otro, una vez. 
Su acceso al mundo provino de las películas. Recuerdan que en algún momento llegaron a tener más de 2,000 títulos. Todos son unos entusiastas del cine y como entretenimiento empezaron a recrear sus películas favoritas tal cual. Copiaban los diálogos, hacían los disfraces con material reciclado y convertían su casa en todo un set de filmación; con música y efectos especiales también.

Un día entró la policía al departamento, rompieron la puerta, esposaron a la mamá, pues tenían información de que había armas en la casa (la razón de ese conocimiento no fue aclarada). La policía encontró todos los props de las películas, incluidos todo tipo de armas de cartón y después de pedir disculpas por el asunto los felicitaron porque estaban muy bien hechas.

La razón de que vivieran encerrados toda su vida, según el padre, era porque no quería exponerlos a las drogas, a la violencia y a los malvivientes de la zona. Pero fuera de las películas, su vida estaba lejos de ser ideal. El padre no trabajaba, tomaba mucho, tenía estrictas reglas, aisló a la madre de su familia, etc. Y lo inevitable pasó. Uno de ellos, se salió sin permiso. Esto tuvo consecuencias de todo tipo, pero la mejor fue que los demás se animaron y también salieron y el padre no pudo hacer nada por evitarlo.

Ahora los mayores no viven en casa y poco a poco todos están empezando a conocer el mundo a su manera. Les es difícil y extraño, pero ahí la llevan.

No es el morbo o el drama de saber que todos estos chicos vivieron encerrados por tantos años. No es ese tipo de película. Tampoco es exactamente el hecho de que recrearan películas, aunque estas escenas son buenas, sino ellos mismos. Los hermanos Angulo, a pesar de todo, o gracias a esto, son unos chicos interesantes, que se saben expresar, son abiertos frente a la cámara (tal vez por haber actuado en tantas películas), y salen al mundo con curiosidad, más que con temor, con ganas de aprender, más que con desconfianza. Lo que hizo el papá no estuvo bien, todos lo saben (varios no le hablan ya), hasta él mismo parece saberlo, pero afortunadamente, por lo menos hasta donde sabemos, parece que serán capaces de salir adelante bien.

sábado, 2 de enero de 2016

The final girls

Qué tino yo esté fin de año con los homenajes ochenteros. 

Esta de hoy es una entretenida comedia sobre un grupo de amigos que,  al acudir a la proyección especial de una película ochentera de culto se ven atrapados en la película misma y tiene que encontrar la manera de salir.  La película de culto trata sobre un campamento de verano en donde un asesino en serie con traumas de infancia se escabecha a los tutores del campamento que sólo piensan en acostarse unos con otros y pasarla bien antes de que lleguen los niños.
Lo único que se les ocurre a los amigos es esperar a que todos los personajes mueran menos la final girl que es la que acaba matando al asesino. Pero, inesperadamente esa chica muere antes.
Las cosas se complican como en las historias de viajes en el tiempo, pues la presencia de estos chicos cambia la trama y además, el asesino no tiene empacho en perseguirlos a ellos también.  Y se complican aún más porque una de las protagonistas ochentera es la mamá de la protagonista.  Una mamá  que en el mundo real murió y por eso a la chica se le ocurre que si no muere en la peli igual y puede regresarse con ellos a la actualidad. 

La final girl tiene que ser virgen según el cánon de ese tipo de películas. Las únicas final girls sólo pueden ser la protagonista y su mamá. Así que este par se une para tratar de vencer al asesino que es como conejito de energizer que sigue y sigue.
 
Igual y suena fatal así contada pero está entretenida y tiene unas buenas ideas, como la onda de los flashbacks y las actuaciones y diálogos de los ochenteros. Me recordó un poco a la de la Cabaña en el bosque, en el sentido de tomar elementos de películas de terror y sacarles jugo con ganas para hacer algo divertido. Creo que está perfecta para las vacaciones.

martes, 23 de junio de 2015

Jodorowsky's Dune

Jodorowsky's Dune cuenta la increíble y fascinante historia sobre la planeación de la película de Dune basada en la novela de Frank Herbert. 
La increíble y fascinante historia de una película que nunca se filmó.

Al inicio, varios de los entrevistados platican que al conocer el proyecto, al ver el libro que se hizo con todas las ideas, llegaron a la conclusión de que la película iba a ser fenomenal. Después de ver este documental yo también llegué a la misma conclusión. Y más aun porque acabo de ver el Dune de 1984 dirigido por David Lynch y... ¡cómo me hubiera gustado ver esta de Jodorowsky!

En 1975, tras el éxito de sus peculiares películas en México, fue invitado por el productor Michel Seydoux para hacer una película. Jodorowsky eligió Dune, según esto así nomás sin haber leído el libro. 

Con todo el apoyo de los productores hizo el guión y empezó a buscar a su equipo de trabajo. Con un montón de suerte y confianza en el proyecto logró la colaboración entusiasta de Jean Giraud/Moebius, un escritor y dibujante de cómics estupendo, para hacer el story board y todas las imágenes para recrear la historia; se trajo de EUA a Dan O'Bannon para los efectos especiales, a Pink Floyd y a Magma para la música, a H.R. Giger y a Chris Foss para el diseño de naves, y sets. Se encaprichó con Dalí como el emperador, David Carradine como el Duque Leto Atreides, Mick Jagger le dijo que si, al papel que en la película de Lynch hizo Sting. Quiso a su hijo como Paul Atreides y lo mantuvo entrenando durante dos años en distintos estilos de artes marciales. Y para el Barón Harkonnen eligió nada más y nada menos que a Orson Welles

Jodorowsky estaba convencido de que tenía entre manos un proyectazo y logró convencer a un talentosísimo grupo de colaboradores. A quien no logró convencer fue a los productores norteamericanos. Les gustaba el proyecto, pero no el director. Esta es una parte amarga porque después de ver las cosas increíbles que planificaron, después de saber que ya estaban todos listos para ir a filmar a la locación, nada de nada.

No es spoiler el decir que la película no se filmó, sí se siente como spoiler al principio, pero las conclusiones finales y lo que ésta no-película ha significado el cine de ciencia ficción posterior, le restan esa sensación y le dejan a uno con un wow. Este proyecto ha dejado muchas cosas, Alien, por ejemplo. Ha influenciado a muchos; y Jodorowsky, que dejó de filmar, se dedicó a hacer cómics que de alguna manera son una extensión de su Dune.

El proyecto ahí sigue para quién esté interesado en retomarlo. Además de que la historia en sí me ha gustado mucho, me pareció muy interesante la capacidad de Jodorowsky de juntar un equipo, reconocer, respetar sus cualidades y motivarlos hasta lograr un proyecto complejo y congruente.

lunes, 1 de junio de 2015

La nuit americaine

Me encantan las películas que tratan sobre producciones musicales, teatrales o cinematográficas. Y de estas de "cine dentro del cine", La Noche Americana (François Truffaut, 1973) es de mis favoritas. Mucho tiene que ver que Truffaut es de mis directores favoritos.

La Noche Americana es un homenaje al cine, o más bien, al hacer cine. Con mucho humor y cariño, Truffaut se auto parodia y narra la experiencia de la filmación de una película llamada "Meet Pamela". Él mismo actúa como el director de la película y además de lidiar con sus propios asuntos, escribir los diálogos, elegir locaciones, aprobar props, escenas, música, etc., tiene que hacer de niñera, terapeuta, padre, madre, de los actores y del equipo. La actriz principal tiene problemas con la bebida, el actor principal, (Jean-Pierre Léaud, uno de sus actores recurrentes) tiene conflictos amorosos con una chica de la producción que se ha liado con otro, se deprime, no quiere volver a actuar. El actor que hace de padre muere en un accidente de coche. La actriz que hace de Pamela (Jacqueline Bisset), también tiene lo suyo. Y además de todo eso, hay problemas con los tiempos, recorte de presupuesto, los productores y los acreedores acosan al director. Intriga, romance, chismerío, lucha de egos; un grupo de gente fuera de su casa, a veces aburrido, a veces cansado, irritado, excitado, frustrado. Como una reunión familiar cualquiera.

Cuando veo este tipo de películas, recuerdo (no es que lo olvide, solo que lo recuerdo más) por qué me gusta tanto el cine. Truffaut, con su caracteristico estilo y sentido del humor, hace una película muy entretenida y entrañable.

viernes, 1 de mayo de 2015

Venezia 70 Future Reloaded




En el 2013, con motivo de la celebración del 70 aniversario de la Bienal de Venecia, los organizadores invitaron a 70 directores de todo el mundo que han sido parte de la historia reciente del festival para que hicieran un cortometraje.
  

Son básicamente una colección de imágenes y reflexiones, sobre el cine, sobre la vida, algunas son bastante extrañas, algunas son desafortunadas (no me gustó el corto de James Franco, por ejemplo), algunas son muy interesantes, con resultados visuales muy llamativos.  Hay cortos con toques de humor y cortos con toques de terror, unos muy aburridas, unos intrigantes, unos que se quedaron cortitos. Hay uno, el de Todd Solondz, que está muy divertido, aunque no es más que una extraña imagen (hay que poner atención a los subtítulos, sino no tiene chiste):
https://youtu.be/86C8oGBGs0k?list=PL2J3c5AtY5K_dINEXUacWHDW4C-NnloIs

Me gustó el de Antonio Capuano: 
https://youtu.be/mKNNG1x6JdI?list=PL2J3c5AtY5K_dINEXUacWHDW4C-NnloIs 

Encontré que este de Paul Shradder está interesante, es sobre el cine ahora:
https://youtu.be/PQbhmtfbfBA?list=PL2J3c5AtY5K_dINEXUacWHDW4C-NnloIs
 
El del mexicano Nicolás Pereda también está bien: 
https://youtu.be/bS6gaIaM8bg?list=PL2J3c5AtY5K_dINEXUacWHDW4C-NnloIs

Entendí que la temática era libre, sin embargo en algunos lugares leí que era sobre el futuro del cine, así como dice el título. Algunos de los cortos reflexionan sobre el cine y su futuro, algunos deciden mejor homenajear a los grandes personajes. Esto me parece mejor, porque no es fácil hablar sobre el futuro de algo, puede uno rápidamente quedar como un viejo, o como un sinsentido, por eso ese de Paul Shradder me parece de los más interesantes al respecto.

Y para terminar, mis favoritos:
https://youtu.be/lK98PiuJbag?list=PL2J3c5AtY5K_dINEXUacWHDW4C-NnloIs este por razones muy comrpensibles y este, que se llama Ritmo porque es intenso e impresionante.

lunes, 29 de diciembre de 2014

The trip to Italy

Este es un curioso experimento. Originalmente concebido como una serie de televisión, tanto esta como su primera parte "The Trip", fueron editadas y presentadas como películas obteniendo buenas reseñas.

Como dice Brydon, esta es como El Padrino 2, cuando se hacen comparaciones de segundas partes que son mejores que las primeras.  Contiene los mismos elementos, comida con muy buena pinta, paisajes preciosos, diálogos sobre escritores, y un montón de imitaciones de actores conocidos... pero en Italia.

No le hago justicia si digo que sólo se trata de dos tipos hablando sin parar. Es básicamente eso, pero esta muy bien. Es como cuando uno platica de forma fluida con un amigo con el que se siente a gusto. Cuando uno puede pasar de una plática profunda a la estupidez más chistosa, cuando uno está tan en sintonía que las bromas y los chistes salen uno tras otro y es fácil seguir la corriente y entrar en el juego. Coogan y Brydon logran esto en varias ocasiones y es verdaderamente divertido. Los diálogos alrededor del soundtrack de viaje con Alanis Morrisette, son muy entretenidos. Sospecho que la mayor parte de las veces son improvisaciones, se nota que se conocen bien y son lo suficientemente buenos como para sacar adelante los absurdos y las competencias de imitación. Esto de las imitaciones es como la parte fuerte de sus conversaciones y se retan ¿quién es el mejor Caine? ¿o el mejor Pacino? A mi me encantó el Hugh Grant de Brydon y la conversación sobre los diferentes 007.

Además de recorrido gastronómico, siguen, por interés personal, un tour literario (en la primera también lo hacen) con Byron y Shelley. A mí me gustó más el tour cinematográfico no planeado y las conversaciones sobre cine con los otros personajes.

Desde el principio aclaran que no saben de comida, pero a mí me hubiera gustado que le dedicaran más tiempo a disfrutarla. Se aprecian mejor los paisajes que la onda gastronómica y creo que no hubiera sido difícil darle un mejor lugar a esos deliciosos platos de pasta.

Steve Coogan me divierte bastante y estas películas me gustaron, aunque estoy segura de que no son para todo público. Creo que mucha gente puede sentirse un poco perdida con todos esos diálogos, con las referencias culturales y cinematográficas de otros tiempos y con las imitaciones y las sutilezas de los diferentes acentos británicos. Yo no entendí todo, pero sí que la disfruté.

domingo, 14 de diciembre de 2014

Cinemania

Cinemania (Angela Christlieb y Stephen Kijak, 2002) es un documental que sigue a un grupo de cinefilos neoyorquinos súper hardcore que ven unas 1000 películas al año.

Son cinco personajes muy extraños, fácilmente buleables, con problemas mentales de algún tipo, no tienen un empleo fijo, viven de algún tipo de seguridad social, excepto uno que tiene algo de dinero heredado. No están casados ni con hijos, aparentemente, uno vive con su mamá, otro con un compañero de piso. Viven con el mínimo, comen el mínimo, y todo lo que tienen lo invierten en las películas. Tienen calendarios de todos los festivales, muestras y presentaciones que se llevan a cabo en la ciudad (de hecho viven ahí porque es una de las ciudades con más cinefilia), en museos, salas de cine, clubes, cinemas de centro comercial y demás, y son expertos en armar sus propios itinerarios semanales para no perderse casi nada. Cada pérdida es dolorosa, a pesar de que seguramente ya vieron la película varias veces.
La primera impresión es de penita, de distancia, pero conforme pasan los minutos y uno los escucha y acepta sus circunstancias y rarezas, se va uno dando cuenta de que no son personas solitarias, no están perdidas, no son asociales. Solo es que ven muchas, muchísimas películas. Y no hay manera de aplicar esa tan despectiva frase de que no tienen vida propia y por eso ven pelis, porque SU vida es el cine, está alrededor de las historias, los actores, los personajes. Dicen muchas cosas interesantes sobre sus películas favoritas, sobre el cine, sobre la cultura cinéfila.
Uno se da cuenta de que son extremadamente apasionados, obsesivos y conocedores del tema; unos sobre géneros específicos, como la Nueva Ola francesa, otros sobre actores antiguos; unos leen y se informan muchísimo, son puristas y se niegan a ver videos, otros ven absolutamente todo lo que se les cruza, con plena conciencia de su calidad. Roberta, la mujer del grupo y la que se ha metido en más líos, es además coleccionista empedernida de todo tipo de memorabilia de cine, sobretodo de los programas de mano y catálogos de los festivales. Harvey tiene una amplísima colección de LP's de soundtracks, y Jack compra libros de cine por cajas. Su pequeño cuarto está atestado de libros. De hecho, los pequeños cuartos de todos están atiborrados de cosas, en un desesperante caos, seguro es porque no hay tiempo ni espacio para ordenar.

Para ellos, la experiencia cinematográfica debe ser total y se aseguran de no tener interrupciones, se sientan en lugares específicos, llevan abrigos suficientes para no se molestados por el frío, uno se ha inventado una dieta baja en fibra para no tener que ir al baño en plena función. Bill, que desea casarse con una parisina para mudarse a Paris y ver puras películas francesas, se preprara unos enormes sandwiches de crema de cacahuate para ahorrarse la pizza de la comida que es más cara. 

Suena y es extremoso, pero así han decidido vivir y no tienen ninguna intención de cambiar. Saben que no son "normales", pero ¿qué es normal?
Son amigos entre ellos, pasan el rato juntos, son cordiales, se dan consejos, saben lo que les gusta, y sobretodo se respetan y no se juzgan. Saben quienes son y no les importa lo que opinen los demás, siempre y cuando les dejen ver las películas en paz.

domingo, 19 de mayo de 2013

No todos saben de cine

Cinépolis está anunciando su nuevo sistema de renta de películas por internet. Y han lanzado una serie de anuncios tan buenos como esos que anunciaban las películas del verano. En el cine he visto ya varias veces el del tipo en el video club y en you tube he visto dos más, el del carnicero y el de la niña fresa. 

El del tipo en el video club me da mucha risa y me encanta verlo. Pero he encontrado que conforme más lo veo más me irrito, no por él, sino por todo el enfoque del anuncio, pues dice que estas personas que cuentan las películas no saben nada de cine y que mejor les hagas caso a ellos que se supone que sí saben (aunque uno a veces lo dudaría con la mediocre cartelera que nos presentan). Pero se les escapa el entusiasmo, el gusto y el placer con el que las cuentan. Para mí eso es mucho más significativo y valioso que el que un sitio me bombardee de recomendaciones basadas en mis búsquedas o cosas así. Sí que entiendo que una de las cosas negativas es que cuentan la película al target equivocado, pero aún así estos monólogos deberían anunciar una campaña relacionada con ir al cine y disfrutarlo. Son más positivos que negativos.

Me da la sensación de que los monólogos les salieron mejor de lo que pensaban y perdieron la idea completa de la campaña.

lunes, 31 de diciembre de 2012

The Valtari Mystery Film Experiment

Sigur Rós sacó a principios de año su nuevo disco, Valtari. Como parte del nuevo proyecto invitó a varios cineastas a hacer cortometrajes con las canciones de Valtari. Sin restricciones, con total libertad y con el mismo presupuesto (10,000 dólares). A lo largo del año fueron publicando en su página web los resultados. No todos me gustaron, pero lo que me encantó fue la idea. Y me parece muy adecuado que esta sea la última entrada del año. Una entrada llena de poesía, música e imágenes impresionantes. Una entrada llena de ideas visuales, inquietantes, emotivas, oscuras y algunas hasta un poco aburridas. Creo que muchas hubieran funcionado mejor si hubieran sido más breves, pero eso es cosa de la longitud de las canciones.

A mí me gusta mucho este grupo islandés, pero no es para todos los momentos ni todos los estados de ánimo.

El primer film es con la primera canción del disco Ég Anda (I Breathe) y tiene que ver con el significado de la canción. Creo que es de los únicos que toman el título como tema del corto. Es también el único que es un poco comedia y como dice el director Ragnar Kjartansson: "First useful pop video in history. File under: educational." Me gustó, es intrigante y divertido... y útil. http://sigur-ros.co.uk/valtari/videos/eg-anda/

El Segundo film, Varúð (Warning), lo filma la hermana del vocalista, Inga Birgisdóttir. Me gusta mucho visualmente, aunque es un poco largo. Lo bueno es que se puede ver en partes. La directora, que es la misma que hizo la portada del disco, se basó en la idea de la advertencia para elaborar este corto.

El tercer film es de mis favoritos. Con la canción Fjögur Píanó, es la historia de una pareja y de cómo termina su relación. Es un corto muy intenso y emotivo y Shia LaBeouf hace un muy buen papel. La directora israelí Alma Har'el, utiliza coreografías en la mayor parte del corto para expresar las emociones de los personajes y funciona muy bien.

El cuarto y el quinto no me gustaron mucho. Me aburrieron un poco. El cuarto, Rembihnútur hecho por Arni & Kinski, frecuentes colaboradores de Sigur Rós, es una onda de meditar para mejorarte y mejorar el mundo a tu alrededor. La explicación abajo del video es más útil que ver el corto, porque no es especialmente atractivo en lo visual. Y es como más pretencioso en el mensaje. Hay tantos cortos que ver que se pueden brincar este. http://sigur-ros.co.uk/valtari/videos/rembihnutur-arni-kinski/ El quinto es de un director que va sonando poco a poco en el mundo del cine (el mundo indie y de festivales, me refiero. Aunque seguro que pronto da el salto a Hollywood porque su última peli es con Zac Effron y Dennis Quaid) que se llama Ramin Bahrani. La fotografía es impecable, pero no me interesó mucho. La canción que usa es la de Ég Anda y alterna imágenes de animales e imágenes de ciudad, puentes, helicópteros, edificios y al final muere un pez. (???) Obvio se me escapó la profundidad del significado.

El sexto es de mis favoritos también. El director es un fotógrafo llamado Ryan McGinley y este es su homenaje a NY. Usa la canción que más me gusta del disco Varúð y la idea es una niña que camina por toda la ciudad. Una idea muy sencilla y visualmente interesante.

El séptimo no me gustó. Varðeldur de Melika Bass. Según la explicación de la directora hay como un ente y como que el personaje está poseído. No se, no me interesó.

El octavo film, Dauðalogn de Henry Jun Wah Lee, es de los más bonitos porque está filmado en un lugar espectacular. Realmente no pasa nada, sólo sale el cielo, el suelo y los árboles de la isla de Yakushima en Japón. ¡Y qué árboles!

El noveno es el que es más historia de todos. Usa dos canciones Rembihnútur y Ekki múkk y además es una animación. Se llama Seraph y está dirigido por el animador y cartonista Dash Shaw y escrito por él y por el director de cine John Cameron Mitchell (Hedwig and the Angry Inch). Es una historia acerca de un chavito que es gay y sus conflictos y los conflictos de los demás. No está mal. 

En septiembre salió el décimo. Con la canción Ekki múkk, dirigido por Nick Abrahams y trata de un monito perdido en el campo inglés.

Además de todos estos invitados, el grupo lanzó una convocatoria al público en general para que también hicieran cortos. Recibieron más de 800 participaciones. En octubre publicaron al ganador del público y al super primer lugar, que se llevó $5000 dólares de premio.
El film 11, el ganador del público con la canción Dauðalogn (Dead Calm) es de Ruslan Fedotow. Me gustó. 
El 12 es impresionante, inquietante, intrigante. Y sólo es una persona bailando, pero el resultado es una imagen muy poderosa.

El film 13 es Varðeldur de la irlandesa Clare Langan. La directora dice lo sigueinte al respecto: "the film explores the fragility of the human condition, frozen somewhere between life and death. shot with a high-speed camera, a human figure and water defy the laws of gravity. there is no clear distinction between dream and reality and the space that the film and the music create becomes a submersive world". Yo no aprecié tanto, pero me gustaron las gotas de lluvia.

En el film 14 el director sueco Christian Larson, cuenta una historia con danza. La coreografía y la música quedan muy bien. La interesante y fría fotografía cierra exitosamente este corto.

En el 15 Björn Flóki, hace con Varúð, una historia de luz y oscuridad, del bien y del mal, de alcanzar la libertad.

Y finalmente, el 6 de diciembre, subieron el film 16, Leading towards solace de la italiana Floria Sigismondi con la presencia de Elle Fanning. Una historia sobre un padre y una hija, el miedo y la muerte del padre, la tristeza y la pérdida de la hija, y el perdón y el continuar de la vida. 

No es para verse de un jalón, pero recomiendo uno de vez en cuando, con mucha paz de espíritu y tranquilidad. Es un bonito proyecto y la mayor parte de los resultados son interesantes. Me gustó haberme topado con el The Valtari Mystery Film Experiment. Y me gustó haberlo acompañado todo el año.

"We never meant our music to come with a pre-programmed emotional response. We don’t want to tell anyone how to feel and what to take from it. with the films, we have literally no idea what the directors are going to come back with. None of them know what the others are doing, so hopefully it will be interesting." - Sigur Rós, May 2012

miércoles, 31 de octubre de 2012

Frankenweenie

Tim Burton nos presenta finalmente el largometraje de su clásico corto ochentero Frankenweenie. Un homenaje a Frankenstein y a las clásicas películas de horror. 
La historia es la misma, pero en stop-motion en vez de gente y con un montón de extras muy divertidos. 

Victor Frankenstein tiene un perrito, Sparky, que muere atropellado. Inspirado por las lecciones del extraño y peculiar maestro de ciencias, Victor revive a Sparky y decide utilizar el experimento como proyecto para la feria de ciencias. Pero sus compañeros de clase son muy competitivos y quieren ganar en la feria. Al darse cuenta que sus propios proyectos no superaran el de Victor, deciden revivir a sus mascotas de la misma manera. Esto desatará una serie de situaciones y desastres de lo más divertidos, con referencias a Godzilla, los Gremlins, la Novia de Frankenstein, y demás clásicos del cine de horror. 

No quiero decir más de la trama porque recomiendo plenamente que la vean, y cualquier comentario extra sería un spoiler. También recomiendo que vean el cortometraje original de 1984.

Después de la frustración con las "Sombras Tenebrosas", siento un gran gusto por reencontrarme con el Burton que me gusta, divertido, extraño, sorprendente. Frankenwwenie me ha gustado mucho más que "El Cadáver de la Novia" y hasta más que la de "El Extraño Mundo de Jack". Me encantaron los personajes, los amigos, los chistes y el humor alrededor de todos ellos: el jorobado Edgar E.Gore, el maestro que recuerda a Vincent Price, la perrita del la vecina Elsa van Helsing.

Tal vez no sea de lo mejor que Burton nos pueda ofrecer, pero tiene sabor, espíritu y mucho punch. Así como luego vemos autores en plena decadencia o que de plano nunca evolucionaron, Burton, aunque un poco disparejo (probablemente tiene que ver con estar metido en tantos proyectos a la vez) nos asegura con esta película, que tiene para mucho más.

lunes, 27 de febrero de 2012

Hugo Cabret

Esta es la historia de un niño huérfano llamado Hugo Cabret que vive secretamente en una estación de trenes en el Paris de los años treinta. La única pertenencia que trae consigo al llegar a la estación es un autómata que él y su padre estaban arreglando hasta la muerte de éste. Hugo está convencido de que cuando el autómata funcione le dará un mensaje de su padre. Ya casi está arreglado, pero le falta una llave muy importante, una llave que lo llevará a un lugar muy especial, un lugar en donde no volverá a estar solo.
También es la historia de un reparador de juguetes, Georges Mélies, que tiene su tienda en la estación y al cual Hugo le roba partes para su autónoma. Georges es un viejo cascarrabias que tiene a Hugo entre ceja y ceja. Este personaje oculta un pasado, un pasado que se entrelaza con el chico y el autómata. 
Entre robos de croissants, evitar al guardían de la estación y su aterrador perrro ( el guardián es un Sacha Baron Cohen bastante gracioso y contenido) y la vida cotidiana de los personajes a su alrededor, la pareja de viejitos, el librero y demás, Hugo, junto con su nueva amiga Isabelle, la ahijada de Georges, decide aventurarse en la aclaración del mensaje del autómata y el misterioso pasado de Georges.

Y esta es para mí la parte más bonita de la historia, porque George Mélies ES Georges Mélies, el cineasta, el padre de los efectos especiales, uno de los primeros y más ingeniosos directores de cine. Mélies fue un visionario que entendió la magia y las grandes posibilidades del cine. Hugo e Isabelle descubren con gran placer y admiración el trabajo de Georges y deciden convencerlo para que salga al mundo nuevamente, para que vea que sus películas siguen siendo apreciadas. Me encanta esta parte porque habla sobre las emociones iniciales del cine, cuando éste era sencillo, ingenuo y misterioso para muchos. Es difícil imaginar, o casi imposible de entender la sensación de ver un tren venir hacia uno o de ver personas moverse en una pantalla. Si me entusiasmo con películas como ésta o como El Artista en un mundo saturado de imagenes, cómo hubiera sido ver por primera vez una historia con movimiento, qué desconcierto, qué extrañeza.

Hugo (Scorsese, 2011) fue diseñada para 3D, yo no la vi así porque ya estoy un poco harta del 3D, cuesta mucho y la gran mayoría de las veces deja mucho que desear. Ahora que ya la vi y que me gustó, sí que la vería en 3D. Desde hace tiempo que me empecé a sospechar, al principio con pena, lo confieso, que Scorsese como que no se me hace tan bueno como todos dicen. He visto pelis viejitas y pelis nuevas, prácticamente todo lo que ha hecho y me parece un tanto irregular. Pero esta, que no tiene mafiosos, ni es en NY, me ha gustado mucho, es una bonita historia, nostálgica, de aventuras y misterios. Y aunque la idea original no es suya (esta basada en un libro muy bonito que se llama "La Invención de Hugo Cabret"), se nota que hay un click especial con ella, sobretodo en los temas relacionados con el cine (Scorsese es un gran conocedor de la historia del cine, qué mejor que contar una historia para niños que refleje su pasión). Las escenas que recrean los flashbacks en donde Mélies está haciendo películas son muy buenas. El Viaje a la Luna siempre me ha gustado mucho, así que fue divertido verla aquí nuevamente. Una de mis escenas favoritas es en la que filman a las sirenas y las langostas en ese apantallante estudio de cristal.

Scorsese habla de la magia del cine y él mismo hace una historia contagiada y contagiosa de ese espíritu.

Me gustó la música y me gustaron las actuaciones, pero fue la cinematografía y el arte lo que mas me impactó. Un trabajo cuidadoso y muy detallado. 
Por primera vez estoy contenta con los resultados de los Oscares porque las dos películas, Hugo y El Artista, realmente fueron de lo mejor que he visto últimamente (y Tin tin, también, no entiendo porque no fue nominada en peli de animación, ¡no entiendo por qué ganó Rango!).

sábado, 25 de febrero de 2012

El Artista

Me uno a los que opinan que esta es una gran película. Me encantó. 
Más que expectativas, tenía curiosidad ¿cómo podrá sobrevivir una película muda en estos tiempos? ¿tendrá buen ritmo, no aburrirá? Y vaya que tiene buen ritmo, un muy buen soundtrack (aún más importante aquí que en otras, creo yo) y unas excelentes actuaciones, inlcuido el perrito. Ah sí, y unos toquecillos de humor. 

Y aunque es muda, no es muda muda, es decir, el sonido cumple un papel más importante que el que suele tener. Aquí funciona de repente como una herramienta narrativa, no nada más ilustrativa. Pero no quiero contarles por que pues sería un super big spoiler.

He dicho chorromil veces que me gustan las películas que hablan de cine, que tratan de cine, y zas, que en una semana veo tres, siendo esta mi favorita. Y mi segunda favorita, la de Hugo, de la cual escribiré en otra ocasión. Las dos tienen en común un respeto y gusto por el cine, el cine que nos hace soñar, que nos hace vivir aventuras y disfrutar. El cine que nos entretiene. 

La primera escena, que juega con el cine dentro del cine, la película muda, dentro de la película muda, engancha inmediatamente, "esto pinta pinta muy bien" pensé mientras George Valentin (Jean Dujardin) sale al escenario a recibir aplausos. Desde ese momento sabe uno que las actuaciones van a ser especiales y que lo que está uno viendo será algo único.

La historia es muy sencilla, George Valentin es una famosísima estrella de películas mudas en "Hollywoodland". En una presentación conoce accidentalmente a una fan llamada Peppy Miller (Bérénice Bejo). Peppy empieza a trabajar de extra en una de las películas de George, se gustan, pero él tiene esposa (una muy amargada, por cierto). El tiempo pasa, Peppy va ganando mejores papeles, hasta que llega  a ser protagonista de su propia película. En esa época, el cine sonoro hace su aparición. El productor de George le ve futuro al sonido y decide abandonar las películas mudas por sonoras, haciendo cambios drásticos en los estudios. Entre esos cambios, el reemplazo de los viejos actores, por estrellas nacientes como Peppy. George no cree en el cambio, se rehúsa a hablar y gasta sus ahorros para producir, actuar y dirigir su propia película muda, pero es un fracaso y su vida cae en picado. La mujer lo deja, pierde su casa y todo su dinero. Peppy en cambio, se convierte en una estrella, pero no ha dejado de estar enamorada. Y en los momentos de mayor oscuridad de George, ella estará ahi para salvarlo de sí mismo. Aquí hay una dramática escena que me recordó mucho al Ciudadano Kane. Pero no entiendo bien el homenaje, o tal vez hay otros homenajes que no pesqué y por eso este me pareció medio extraño. Bueno, el caso es que hay un final feliz, con una agradable sorpresa.

Esta es una película que le hace a uno salir del cine sonriente y emocionado porque ha sido uno soprendido con algo inesperado y maravilloso. 

PD: Todas mis quinielas del Oscar van para The Artist (Michel Hazanavicius, 2011), música, actuación, idea original, dirección, ¡todo! Espero que arrase.

viernes, 20 de enero de 2012

SOPA y sus hermanos



He estado pensando estos días sobre esta SOPA, la ley DÖRING y todas las demás. Es un tema muy polémico, no me queda duda. Tiene un montón de implicaciones, negativas, la gran mayoría.
Para efectos de este blog, y de mi felicidad, porque este blog es parte de las cosas que me hacen feliz, lo que me conflictúa verdaderamente es que lugares como Megaupload se cierren (no era mi favorito para nada, me chocaba tener que esperar las descargas). Entiendo bien el asunto de los derechos de autor y de que todos esos artistas y creadores no están disfrutando de las ganancias de todas estas descargas (aunque estoy segura que a los legisladores, los autores y creadores les tienen sin cuidado). Pero ahí les va el caso particular y muy dramático de esta Pelimaniática.

Yo voy mucho al cine, segurito una vez a la semana. Tengo un montón de pelis en dvd (originalitas), obvio que con lo caros que son, no tengo los éxitos del momento, pero esos ya me los eché en la pantalla grande y con todo y palomitas. Y a lo largo de mi vida he rentado tantas pelis que los videoclubs pronto se choteaban. También bajo muchas pelis, pero muchas, pelis que no se encuentran en ningún lado y que sólo otro entusiasta cinéfilo decide subir y compartir. Así me he encontrado cosas maravillosas, autores fantásticos (y no todo es "cine de autor", no me vayan a echar caca), pequeños tesoros, películas que no hubiera visto de ninguna otra manera, ni siquiera en las muestras de cine, porque no todo llega. Claro, también he visto tantas porquerías como las que luego tocan en el cine, no lo negaré. 

Cuando salen los ganadores de un festival de cine ¿cuántas probabilidades hay de que todas esas pelis lleguen a Queretarín pin pin, o siquiera a México? ¿Cuántas de esas llegarán al Mix Up para que las pueda yo comprar (y miren que voy con listas y no las encuentro, ni eso ni la música, que es la misma idea que las pelis). La "interné" me ha abierto las puertas de un mundo maravilloso en donde todos los pelimaniáticos compartimos con entusiasmo nuestros descubrimientos. Y estoy segura que los creadores de "Estómago" prefieren que su película sea vista por muchos a que se quede por ahí malviviendo de festival en festival.

Lo que a mi más me gusta de "estumbelear" en la red es la posibilidad de encontrar cosas nuevas, y ajenas que me abran (aun más) los ojos, que se integren en mi mundo, que mejoren mis ideas, que me enseñen cosas. Esto también es lo mejor de encontrar películas extrañas, de distribución reducida, de bajo presupuesto, de lugares exóticos, con idiomas y gente rara, con paisajes espectaculares e inquietantes, con ritmos lentos (y aburridos, puede ser), películas de acción europeas tan buenas como las hollywoodenses, de terror asiático o español, animaciones distintas a las de siempre, o tan indies que ni Sundance las quiere mostrar.

¿Qué hago si ya se estrenaron en el mundo las siguientes partes de la trilogía de Millenium (la sueca) y aquí nomás no se ve para cuando y ni creo que lleguen porque les interesa más poner la versión gringa, que seguro jalará más gente? Ni madres que me quede sin verlas. ¿Quién me garantiza que la nueva película de Mike Leigh llegará, aunque sea a la muestra de la Cineteca, bueno Mike Leigh tal vez sí..., pero qué tal la de Attack the Block, sobre una invasión alienígena en Inglaterra? Aquí vimos The Lake House, ¿pero cuáles fueron los chances de ver la original coreana, que es muy pero muy superior?
Me encanta Hitchcock y estoy orgullosa de decir que tengo toda la colección. La gran mayoría la tengo en dvd, pero si no encuentro todas en la tienda, ¡ni modo que me quede con las ganas!

La distribución del cine se mueve por caminos que cada vez más se alejan de mis intereses, pero me encanta la idea de ir al cine. Pareciera que no, pero sí que soy muy tolerante, a veces lo de menos es la peli, lo de más el momento con los movie-partners. Pero de alguna manera hay que compensar por "Jack and Jill", por "Twilight", hasta por M:I 4 (tan mala casi toda ella), por las invasiones extraterrestres sin imaginación y con malas actuaciones (la de Skyline, la de LA, la de Moscú y los foquitos). Tintin, por ejemplo, segurito en el cine y en dvd para la colección.

Nunca me he comprado una peli del tianguis ni he lucrado con mis descargas, pero entiendo a los que compran pelis piratas (y por cierto, me cagan los anuncios del cine al respecto); la mayor parte de esas personas no tienen opción de gastar en cine con toda la familia para verlas y si no hubiera pelis piratas, seguro que no irían a la tienda a comprarlas. Simplemente no verían películas. Pero esa es una historia para otra madrugada...

Son altas horas de la noche, ¿será que mi insomnio está relacionado con la angustiosa idea de que mi época dorada de cinefila frecuente está llegando a su fin? Triste...



 


lunes, 18 de abril de 2011

Lumière et compagnie

Esta película es una de las que yo pondría en mi cajón de tesoros. No exactamente por lo que se ve sino por el objetivo. Se me hace agua la boca cuando muchos directores se reúnen con cortometrajes. Generalmente es una decepción, pero aún así, cuando sale una nueva película de cortometrajes, se me vuelve a hacer agua la boca.

Con motivo del 100 aniversario del nacimiento del cine se hizo Lumière et Compagnie (1995). Aquí se reúnen un montón de directores (40) para hacer cada uno, un corto de 52 segundos, con la misma cámara con la que los hermanos Lumière hacían sus películas. ¡¿A poco no es esto de lo más emocionante?!
Motivo suficiente para entrar en mi cajón de tesoros.

Qué maravilloso juego, y si yo me emociono, imagino que filmar con esa cámara debe ser el sueño de todo director.
Y así como un juego lo tomaron estos directores. Se los ve divertidos, sonrientes, pasando un buen rato.
Y eso, ¡se los ve! Pocas veces tiene uno oportunidad de ver a un director (bueno los puede uno googlear, pero no es lo mismo). Qué raros, qué ajenos. Jamás pensé que Fernando Trueba fuera bizco, o que Zhang Yimou fuera así, y siempre me imaginé a Peter Greenaway más bizarro, pero no. Ah y qué simpático Jacques Rivette; me parece que no he visto nada de él, lo consideraré para un futuro maratón.

Casi se me pone el ojo remi cada vez que salen los directores y no se bien por qué porque no conozco a la mayoría, y los franceses, en particular se me revuelven todos en una enorme y única filmografía.

Bueno, el chiste es que estos 40 fueron invitados a participar y les hicieron tres preguntas y les impusieron unas cuantas reglas: la duración del corto, que el sonido no estuviera sincronizado con la imagen y sólo tres tomas. Les preguntaron que si el cine era mortal, que por qué filmaban y que por qué aceptaron filmar con esta cámara.

Los cortos están variados, unos muy logrados, otros no tanto, pero como dije al principio, es el hecho lo que vale la pena, no tanto el resultado. Me gustó y me resultó desconcertante el aspecto visual (blanco y negro, poca definición) en contraste con la modernidad. El primer corto es una recreación de "La llegada del tren". Igualito, pero con el tren moderno.
Las soluciones de sonido de algunos también estuvieron interesantes, Y bueno la música de toda la película me gustó mucho, no es lo más importante, pero creo que sirvió como los cubos de Knorr Suiza, para resaltar las cualidades de todo lo demás.

Mi favorito fue el de Claude Lelouche, una escena de amor que se filma igualita con el paso del tiempo, las cámaras, la moda, el equipo cambia, pero la escena permanece.
También me gustó el de John Boorman que filma mientras se filma "Michael Collins".
El de David Lynch, muy suyo, y que le guste a quien le guste David Lynch. Debo decir, eso sí, que fue de los más creativos y de los que más jugo le sacó a las limitadas opciones que tenía.

Disfruté mucho con esto y cómo me gustaría ver la camarita en persona, y por qué no, filmar algo.

jueves, 31 de marzo de 2011

Be Kind Rewind

Michel Gondry es uno de los directores más lúdicos que he visto. Le pongo así porque no se me ocurre otra manera de referirme a su estilo a esos pequeños detalles animados que integra en sus historias, a ese sentido del humor fuera de lo común, a esa manera de presentar a sus personajes, personas extrañas, que viven un poco al margen de la sociedad, que se integran pero cuyo mundo interior es mucho más interesante. Recuerdo con gusto algunos de sus vídeos musicales, tan entretenidos y originales, el de Björk con la historia dentro de la historia dentro de la historia; la animación con legos para los White Stripes; la película de la Ciencia de los Sueños, con el mundo del personaje de Gael García Bernal...

Be Kind Rewind (Michel Gondry, 2008) o como le pusieron en México "Originalmente Pirata", tiene un poco de todo ese juego que mencionaba. Y es además una especie de homenaje al cine como cine, al ese cine con el que uno crece, con el que juega y sueña, de aventuras, de comedia, del espacio, a ese cine que marca infancias.

Mr. Fletcher tiene un videocentro de barrio muy piñatón que se está quedando atrás por la llegada de una especie de Blockbuster. Si no logra sacar dinero de su negocio no va a poder remodelar el edificio en donde está, que al parecer fue la casa de Fats Weller, su músico favorito. Cada año el señor Fletcher va a celebrar el aniversario (no recuerdo si de muerte o nacimiento) de Fats. Este año deja el negocio a cargo de su empleado Mike (Mos Def, que no debería de ser actor). Mike tiene un amigo, Jerry que es un bestia (obvio, es Jack Black). Jerry tiene la idea descabellada de sabotear una planta eléctrica cercana porque está convencido de que hay un complot de algún tipo y que el mal proviene de la planta eléctrica. Lo único que logra con su atentado es magnetizarse. Y en una visita al videocentro borra accidentalmente todos los VHS. Cuando una clienta llega para rentar Los Cazafantasmas, Jerry convence a Mike de hacer ellos su propia versión de Los Cazafantasmas. A la gente le gusta la idea y empiezan a pedir nuevas versiones de otras películas, del Rey León, Hombres de Negro, el Chofer y la Señorita Daisy.

Los resultados son buenísimos. Jack Black está en su mejor estado, osea en el que es hartante, pero que es necesario que sea así. Creo que Jack Black depende mucho de un buen director que lo contenga.

Todas las escenas de filmación, las soluciones a las que llegan, la escena de la biblioteca con la música de Los Cazafantasmas, son divertidísimas. Y es que los personajes están jugando, se la están pasando bien, inventado, recreando. Todo el pueblo acaba metido en el asunto. Y da envidia de la buena no estar ahí jugando con ellos.
Y bueno luego llegan los aguafiestas del mundo y la fiesta se viene abajo.

El ritmo, el balance entre la comedia y lo emotivo (que es un emotivo nostálgico) está muy bien. La historia final está muy lograda, los personajes, el ambiente, la música. En fin me parece una película muy redonda, hecha con mucho entusiasmo y con un claro amor al cine. Seguramente, la razón por la que me gusta tanto esta película.
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